10 Maestros de la Fotografía en Blanco y Negro

Al ver una fotografía en blanco y negro, esta se transforma instantáneamente en algo especial, nos atrae como un imán y es se hace muy difícil despegarnos de ella. Es un técnica que imprime simplicidad, nitidez, concreción, austeridad, atemporalidad y elegancia a cualquier imagen. En este articulo te mostramos los 10 maestros de la fotografía en blanco y negro.

“Cuando fotografías gente en color, fotografías sus ropas. Cuando fotografías gente en blanco y negro, fotografías sus almas”. Ted Grant

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1. Ansel Adams (1902-1984)

Nació en San Francisco, California. Creador del sistema de zonas y conocido mundialmente por sus fotografías de paisajes en blanco y negro del parque nacional Yosemite en Estados Unidos. Escribió varios libros de fotografía entre los que merece la pena destacar sus manuales de instrucción técnica: La Cámara, El Negativo y La Copia.

Ansel Adams - The Tetons and the Snake River
Ansel Adams – The Tetons and the Snake River

Adams fue un experto en el control de la exposición fotográfica. Su conocimiento fue tan profundo que le llevó a desarrollar su teoría sobre el sistema de zonas, método de exposición que permite de conseguir la exposición deseada de forma precisa.

El sistema en cuestión se basa en el hecho de que el fotómetro de la cámara siempre evalúa la zona medida como un gris medio. El fotógrafo debe aumentar o disminuir la exposición para compensar el exceso, o defecto de luz y conseguir así el resultado deseado.

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2. Henri Cartier-Bresson (1907-2004)

Nacido en Chanteloup (Francia) el año 1908 en una familia de clase media. Siendo todavía un niño ya se siente atraído por la fotografía. Estudia pintura y literatura en Cambridge, pero hasta 1931 no empieza como fotógrafo. Sus primeras experiencias con la fotografía empezaron con una cámara Kodak Box Brownie.

Henri Cartier-Bresson – El Momento
Henri Cartier-Bresson – El Momento

Sus fotografías, recopiladas en diferentes colecciones (El momento decisivo, El mundo de Henri Cartier-Bresson), se definen por el rigor de su composición, la yuxtaposición de elementos y por un sentido estético de la composición derivado de su experiencia en las artes plásticas.

Al teorizar sobre la fotografía, exaltó lo que él llamaba el «momento decisivo», que el fotógrafo debe descubrir sobre el terreno y en el que capta aquel instante único y significativo, cuando la escena adquiere su máximo sentido expresivo. Por lo que respecta a su técnica, se basó en positivar los negativos completos, sin encuadres ni recortes. Expuso en Nueva York (1946 y 1967), Londres (1955), París (1967 y 1969) y Madrid (1983). A partir de 1973 se dedicó con preferencia al dibujo.

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3. Sebastião Salgado

Nació en 1944 en Aimorés, un pequeño pueblo de Minas Gerais en Brasil. Hijo de un ganadero, es el sexto de ocho hermanos y único varón de su familia. Junto con su esposa Lélia Deluiz Wanick se mudaron a São Paolo para cursar su maestría en Economía. En 1969 cambiaron nuevamente de residencia a París para realizar su doctorado donde Lélia estudió arquitectura. Un día como cualquier otro de 1970, Sebastião Salgado tomó por primera vez una cámara entre sus manos. Tenía entonces 26 años.

Trabajó en el Ministerio de Finanzas de Brasil y en la sede londinense de la Organización Nacional del Café, y fue en Europa donde descubrió su interés por la fotografía, abandonando sus ocupaciones anteriores convirtiéndose, en palabras de algunos “en el artista que mejor ha retratado la condición humana en este siglo”. Se radicó en París.

Sebastiao Salgado – Éxodos
Sebastiao Salgado – Éxodos

Inicialmente colaboró con la agencia Sygma (1974) haciendo historias en Portugal, Mozambique y Angola. Ingresó el siguiente año a la agencia Gamma realizando proyectos fotográficos en Latinoamérica, África y Europa. Para 1979 ya era parte de la legendaria Magnum Photos. Finalmente en 1994 fundó, junto a su mujer, su propia agencia de prensa Imagen Amazonas, dedicada exclusivamente a distribuir sus fotografías.

Sus series suelen tomarle unos siete años de producción en decenas de países. Una de las razones para esta tranquilidad está en su involucramiento con la comunidad. “Nuestra historia es la historia de la comunidad, no de la individualidad. Ése es el punto de vista de mi fotografía y el punto de partida de todo mi trabajo.” “…respeto y tengo cierto sentido de la comunidad y del ser humano. La fotografía está llena de simbolismo, es un lenguaje simbólico. Tienes que ser capaz de materializar todas tus ideas en una sola imagen. De alguna manera mi punto de vista –muy centrado en la social y en la comunidad- no es muy diferente de los conceptos básicos de la mayoría de las religiones. Requiere tiempo, y mucho, para componer una narrativa coherente: No vas y tomas una foto. Vas a construir una historia. A final de cuentas creo que los fotógrafos documentalistas somos gente a la que nos gusta contar historias.”

Salgado siempre esgrime la necesidad de ocasionar la conversación, la reflexión.
Siempre ha preferido la paleta de claroscuros de las imágenes en blanco y negro, tomó muy pocas fotografías en color antes de renunciar por completo a este medio.

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4. Robert Frank

Nació en 1924 en Zurich, Suiza. Iniciador del llamado Neo-documentalismo Fotográfico, Robert Frank es un hacedor de la imagen que incorpora en la forma de narrar lo que observa un poco de rebeldía y un mucho de sensibilidad creadora; por lo que su obra, a pesar de lo cotidiana, no ha quedado constreñida a lo meramente referencial, ya que los confines del documento son demasiado estrechos y su mirada propone una opinión, una crítica y una estética que acechan constantemente a la esperarse de colarse en el encuadre, aún cuando la pretensión sea meramente referencial.

Robert Frank
Robert Frank

Así pues, Robert Frank se manifiesta en una corriente nueva en el ámbito de la fotografía documental, en donde el reportaje pasa a un segundo término y las opiniones, críticas y visiones estético-artísticas acaban imponiéndose. Es como si las hard news dieran paso a las soft news: ya no es tan importante el hecho duro sino sus implicaciones.

En su trabajo prevalece el fondo sobre la forma por una nariz de caballo, como decía Gilles Peress. La impronta personal tiende a imponerse sobre lo documental, actitud que impregnaría todo su trabajo y que se hace manifiesta en su obra cumbre Les Américains, en donde el fotógrafo presenta a los estadounidenses desde una óptica propia, personal, subjetiva y libre. En muchos sentidos, Frank es el Zeitgeist (el espíritu del tiempo) de la década de 1950 cuando se asiste al surgimiento de una especie de estilo documental personalizado, caracterizado por la utilización de la cámara de pequeño formato —permite integrar mejor al fotógrafo en la escena—, efectos de cortes bruscos en el encuadre, una puesta a punto selectiva, la práctica del flou, el grano grueso —signos todos ellos de improvisación, o de trabajo a toda prisa—, la predilección por atmósferas y copias oscuras.

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5. Diane Arbus (1923-1971)

Nació en Nueva York en 1923. Su verdadero nombre es Diane Nemerov. Arbus es el apellido de su marido Allan con quien se casó con apenas 18 años.

Se adentró en el mundo de la imagen de la mano de Allan. Ambos se dedicaron a fotografía de moda y publicaron su trabajo en revistas como Harper’s Bazaar o Vogue hasta su divorcio.

Diane Arbus - Monstruos
Diane Arbus – Monstruos

Sus fotos las dedica a personas inadaptadas y a miembros de comunidades marginales. Su documentación de manicomios, campos nudistas, freaks, seres deformes, y cocktails de la alta sociedad deja entrever el mensaje de alienación. No hay apenas diferencias entre dementes y cuerdos, porque todos son parte de una misma sociedad absurda.

Su trabajo es coherente: utiliza formatos cuadrados, flash directo, luces duras y busca una nitidez que resulta casi morbosa. Añadió dramatismo a las imágenes que, en contra de lo que podría pensarse, no se limitaban a estetizar el horror.

La muerte por suicidio de Diane Arbus en 1971 abrió la puerta a numerosas especulaciones sobre su vida y su persona.

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6. Richard Avedon (1923-2004)

Nació en Nueva York en 1923. Es uno de los mitos contemporáneos de la fotografía de moda y del retrato, que trabajó para publicaciones de tanto prestigio y éxito como Vogue, Life o Harper’s Bazaar.

Su carrera como fotógrafo profesional comienza a principios de la década de 1950 y alcanza la fama en la década de los 60. Fue de los primeros fotógrafos en dotar de cualidades artísticas a la fotografía de moda.

Richard Avedon
Richard Avedon

Richard no tratará de captar los valores externos o internos del personaje, sino de realizar una especie de radiografía. Ésta transparentará hasta qué punto el modelo necesita su máscara y juega su papel.

Las imágenes de Avedon, de una extraordinaria sobriedad estilística, dejan siempre solo al personaje frente a un fondo liso, mirando a la cámara y encerrado dentro de los márgenes del fotograma. En todas ellas, se trasluce el deseo de frialdad y distanciamiento del fotógrafo.

Richard Avedon sufrió un accidente cerebrovascular en 2004 realizando un trabajo para la revista The New Yorker sobre las elecciones presidenciales de ese año. Murió pocos días después.

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7. Jacques Henri Lartigue (1894-1986)

Nacio en Courbevoie, Francia en 1896. Se interesó por los objetos móviles, en especial coches de carreras, y reflejó los primeros ensayos de la aviación.

Con siete años, su padre le regaló una cámara de placas de 13×18 cm. a la cual supo darle un uso estupendo ya que comenzó retratando el mundo de las carreras y a las mujeres de clase adinerada desde perspectivas poco comunes que le llevaron a practicar planos diferentes, y a encontrar en el blanco y negro su mayor aliado para conseguir plasmar esas estampas que han pasado a la historia.

Jacques Henri Lartigue
Jacques Henri Lartigue

No obstante su pasión fue siempre la pintura. De hecho fue discípulo de Jean-Paul Laurens y Marcel Baschet, llegando a exponer en numerosas salas de exposición teniendo como fuente de inspiración el mundo del motor y las flores, además de retratar pictóricamente a diversos personajes de la época como Marlene Dietrich o Greta Garbo.

La obra de Lartigue sobre todo nos aporta una forma de mirar al mundo desde el positivismo. Es verdad que no es lo mismo mirarlo desde una clase social, que a priori no tiene problemas económicos como lo tiene la pobreza en las clases más desfavorecidas de las cuales se ocupan otros fotógrafos, pero sí nos puede servir para intentar plasmarlo en aquellas situaciones dentro de la fotografía social que necesitan esa proyección de felicidad.

Se dice que fue un niño de salud delicada, a pesar de ello falleció con 92 años. ¿Tuvo que ver algo esa predisposición hacia los pensamientos positivos y al refuerzo gracias a su proyección en su fotografía?

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8. Robert Capa (1913-1954)

Robert Capa es el seudónimo de Endré Frieddman. Nació en Budapest, Hungría, en 1913. Pronto emigró a Berlín por sus ideas de izquierdas. Allí comenzó a trabajar en la agencia de noticias Dephot.

En 1933 emigra a París, huyendo de Hitler. Es allí donde conoce a sus futuros socios de la agencia Magnum, Henri Cartier-Bresson y David Saymour “Chim”. Con ellos comienza a fotografiar las revueltas provocadas por el Frente Popular.

Robert Capa
Robert Capa

Robert Capa es mundialmente conocido por sus fotografías de guerra. Una de sus imágenes más famosas la tomó en Córdoba durante la Guerra Civil Española y se llama “Muerte de un miliciano”. También acompañó al ejército aliado de EEUU en la II Guerra Mundial. Esto le dio oportunidad de sacar fotografías tan impactantes como las del Desembarco de Normandía en 1944.

Viajó por todo el mundo buscando las mejores instantáneas para su cámara. Esto le llevó a México, Italia, Francia, Japón, Indochina, Vietnam, Inglaterra o al norte de África.

Solía afirmar que siempre había que estar listo para ir o a una taberna o a una guerra. No importaba ni la hora, ni lo poco atractiva que pudiera parecer esa guerra.

Capa murió en 1954 tras pisar una mina en Vietnam mientras acompañaba a un destacamento francés.

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9. Dorothea Lange (1895-1965)

Nacida en Mayo de 1895 en Estados Unidos en realidad se apellidaba Nutzhorn. Lange era el apellido de soltera de su madre el cual Dorothea adoptó como suyo.

Aprendió fotografía matriculándose en la escuela Clarence H. White de Nueva York. Estudió allí entre 1917 y 1919. En ese año abrió su propio estudio en la ciudad de San Francisco. Es allí donde comenzará a forjarse su personalidad como reportera social y fotoperiodista.

Dorothea Lange - Madre Inmigrante
Dorothea Lange – Madre Inmigrante

La Gran Depresión por la que pasaba Estados Unidos llevó a mucha gente a vivir en las calles y a abandonar sus casas para buscar trabajo allá donde hubiera. Dorothea Lange estaba muy sensibilizada con esta problemática y usó sus fotografías como un método de denuncia. Empezó a retratar mendigos en las calles, desempleados, etc.

Dorothea Lange se hizo mundialmente conocida con su serie de fotografías titulada “Madre Migrante”. En estas imágenes, que fueron tomadas en California en 1936, se ve a Florencia Owens Thompson y a sus tres hijos.

Este conjunto de retratos definen claramente la personalidad del trabajo de Lange. Toma sus fotografías de manera cercana, clara, concisa y de una forma muy tierna. En ellas refleja la situación por la que están pasando las personas que retrata, pero sin hacerles perder un ápice de dignidad.

Dorothea sufrió durante toda su vida de una débil salud y murió de cáncer a los 70 años.

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1. Paul Strand (1890-1976)

Nació en Nueva York en 1890, hijo de una familia de inmigrantes provenientes de Bohemia (hoy República Checa occidental) dedicados a la importación de cerámica. La familia adoptaría posteriormente el apellido Strand.

La vida fotográfica de Paul Strand inicia cuando su padre le obsequia una cámara en 1902. Cinco años más tarde el muchacho estaba matriculado en la Ethical Culture School, al igual que muchos otros judíos de clase media de la época. Ahí conoció a un maestro que lo marcaría profundamente: el sociólogo y fotógrafo Lewis W. Hine.

Paul Strand
Paul Strand

Según Strand tres caminos se abrieron para él que le ayudaron a elegir cómo seguir: su trabajo era una respuesta para entender el nuevo arte que venía con la pintura, lo abstracto, el cubismo; segundo, era una manera de expresar algunos sentimientos sobre Nueva York, donde vivía, y tercero quería saber si podía fotografiar gente sin que ésta supiese que estaba siendo fotografiada. Su famosa fotografía “Blind Woman”, tiene un enorme impacto visual y significado social, pero era una manera de resolver este tercer problema, la oportunidad perfecta de fotografiar a alguien sin que se diese cuenta, puesto que la imagen, es un retrato de una mujer ciega, con un cartel colgado en el que se lee “Blind”, (ciega).

Paul Strand murió en Orgeval, Francia, el 31 de marzo de 1976 con 85 años, ese año completó dos portafolios de impresiones originales: “On my Doorstep” y “The Garden”, publicados en 1976, y aprobó impresiones para dos portafolios adicionales publicados seguidamente.

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Quedan fuera de la lista muchos otros maestros como Arno Minkkinen, James Nachtwey, Joe Rosenthal, Alfred Stieglitz, etc. El orden elegido es en base a mis preferencias.

“La vida es una buena foto en blanco y negro. Hay blanco, hay negro, y un montón de sombras en medio”. Karl Heiner

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